BIOGRAFÍA

Francesco La Rosa es un artista contemporáneo que utiliza materiales y herramientas inusuales para crear sus obras. De hecho, se especializó en la técnica del micro-grabado, que consiste en rascar, milímetro a milímetro, grandes lienzos de cuero con bisturíes y cuchillos. Nació en Catania, Sicilia. Desde pequeño, ha perseguido sus pasiones por el arte y los cuchillos multifuncionales. Su gran talento lo llevó, cuando era adolescente, a inscribirse en el Instituto de Arte de Catania. Durante sus estudios, se apasionó, como muchos otros, por grandes personalidades artísticas de las cuales toma inspiración, entre ellas: Rembrandt, Leonardo Da Vinci, Canaletto, Caravaggio y Salvador Dalí.

Al mismo tiempo, continuó coleccionando cuchillos, sin saber el uso que les daría en el futuro. Ha trabajado como fotógrafo, tatuador, restaurador de arte y finalmente como diseñador de marcas para álbumes de fotos. La chispa que encendió su creatividad y lo llevó a crear sus obras actuales llegó en el año 2013, durante la creación de un grabado en cuero encargado para una obra, en la cual, por casualidad, se dio cuenta de que podía usar sus adorados cuchillos para lograr un efecto nunca antes visto. Desde allí comenzó un estudio profundo de esta nueva técnica para ponerla al servicio de su arte. Empezó a exponer en iglesias y fue invitado a importantes eventos como la Semana de la Moda y Linea Pelle, con los cuales colaboró con marcas de moda exclusivas y marcas conocidas en todo el mundo. Ha sido publicado en varias revistas y periódicos, como Ansa, y continúa abriéndose camino, dándose a conocer también en Estados Unidos gracias a la invitación a la próxima exposición en Los Ángeles, donde fue codiciado por muchos coleccionistas internacionales y galeristas.

El secreto de esta nueva técnica proviene de una fuerte filosofía: tratar de transmitir el verdadero concepto de renacimiento.

Trabajar el cuero con esta técnica no deja margen para el error, ya que es imposible borrarlo y no se pueden hacer bocetos preparatorios.

BIOGRAFÍA

Uno de mis amigos, cuando habla de mí, siempre dice: "¡Ella debió haber nacido en un tubo de colores!" De hecho, mi familia ha estado formada por artesanos, pintores y artesanos (artistas) durante muchas generaciones: mi bisabuelo era decorador, y mi abuelo, después de asistir al Instituto de Arte de Florencia en Porta Romana a principios de la década de 1920, trabajó como copista en una de las principales tiendas de antigüedades de esa época. Mi abuelo, ALTERO, transmitió su pasión por la pintura a mi padre, RICARDO, quien se graduó en la Escuela de Arte de Florencia. En 1961, abrieron su taller, "Bottega Bianchi". Siguiendo los pasos de mi abuelo, también asistí al Instituto de Arte de Florencia (en Porta Romana) de 1978 a 1983, y al año siguiente, me uní al negocio familiar.

Como muchos artesanos que viven en Florencia, mi trabajo también es mi pasión. Sin duda, vivir en una ciudad de arte como Florencia, rodeada de colores y pinceles, influyó mucho en mi decisión de seguir este camino. Después de la jubilación de mi padre en 2010, asumí el negocio de Bottega Bianchi, convirtiéndome en la Directora General, Propietaria y única artista. Muchas personas creen que la capacidad de pintar es un don, y como tuve la suerte de recibir este don especial, me complace dar vida a las ideas de mis clientes, quienes me encargan crear pinturas que están artísticamente "envejecidas".

La característica distintiva de mis obras es su apariencia "antigua". Este resultado se logra a través de una mezcla de tiza y cola extendida sobre el lienzo, que luego se pinta de la misma manera que lo hacían los Grandes Maestros del siglo XVI. Hace algún tiempo, me mudé al corazón de la región de Chianti, específicamente a San Casciano Val di Pesa, un encantador pueblo con un delicioso centro histórico y un interesante Museo de Arte Sacro, que vale la pena visitar. A pesar de estar muy unida a Florencia, mi ciudad natal y una de las ciudades históricas y artísticas más bellas del mundo, vivir en estas colinas agrícolas verdes, cubiertas de olivares y viñedos, es mi fuente de inspiración, que espero transmitir a través de mis pinturas, cumpliendo así los deseos de mis clientes.

EL SIGNIFICADO DE SUS OBRAS

mekarts es un concepto que tiene como objetivo promover una idea de arte moderno centrado en la recuperación y reutilización de residuos. Los materiales utilizados para la construcción de las obras son completamente recuperados de chatarra de hierro.

A medida que una persona envejece, su piel se arruga, su cabello se pone gris y sus articulaciones se endurecen. De manera similar, una escultura de hierro, expuesta a los elementos, sufre una transformación gradual que se puede comparar con un proceso de envejecimiento. Así como las finas líneas marcan el rostro de una persona envejecida, el óxido comienza a aparecer en la superficie de la escultura. Estas marcas rojizas son como arrugas, un testamento del paso del tiempo. A medida que la escultura se oxida, puede perder su brillo y color original, simbolizando un declive en la vitalidad y una desaparición de la energía juvenil que alguna vez tuvo.

A pesar de los signos del envejecimiento, la escultura también puede experimentar una transformación. El óxido puede crear patrones intrincados y texturas, añadiendo profundidad y carácter. De esta manera, la escultura puede verse como una obra que adquiere una belleza única que viene con la experiencia y el tiempo. En esta visión antropomórfica, el proceso de oxidación de una escultura de hierro se convierte en una metáfora del proceso de envejecimiento, un viaje que es tanto inevitable como transformador.

BIOGRAFÍA

Hector&Hector, nacido en la década de 1960 en tierras que una vez formaron parte del Imperio Romano de Oriente, se sintió atraído por el arte desde joven, estudiando pintura de manera autodidacta mientras ayudaba a su padre con ideas revolucionarias para la época en la cultura bizantina. Tras estudiar Dramaturgia, Arte Experimental y Fotografía, también exploró la acrobacia y se vio influenciado por la Escuela de París. Su viaje artístico lo llevó al Dadaísmo y más tarde al Pop Art, tomando inspiración de artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Keith Haring.

En la década de 2000, Hector&Hector comenzó a desarrollar su propio manifiesto artístico, promoviendo la libertad de investigación y expresión más allá de los marcos artísticos tradicionales. En 2009, cofundó "Gruppo 50" y se centró en el arte del reciclaje, creando instalaciones públicas a partir de materiales industriales reciclados. Su filosofía, "New Word Art," influenciada por el concepto de Heráclito sobre la vida como flujo, busca trascender las nociones tradicionales del arte y crear un espacio de metamorfosis y transformación.

Actualmente, Hector&Hector vive entre Italia, Hungría, Francia e Inglaterra, continuando con el desarrollo de nuevos ciclos de trabajo, como uno dedicado a los símbolos y el color, siguiendo el tema de su obra anterior "No Terra."

BIOGRAFÍA

Violetta Carpino, nacida en Roma en 1991, es pintora y artista que se graduó en la "Accademia di Belle Arti" de Roma en 2014. Ha expuesto su trabajo en eventos prestigiosos como “Spoleto Arte,” comisariada por Vittorio Sgarbi, y diseñó la medalla de la Maratón de Roma 2017. También creó la escenografía para las giras de Cristiano De André en 2016 y 2017. Violetta ha participado en varios festivales internacionales de arte urbano y exposiciones colectivas, como “Graffitea” en Valencia y “Serpis Urban Art Project” en España.

Al principio de su carrera, ganó el concurso "Shopping Bag 2011" y el premio “Fidia – Arti Figurative e Plastiche” en 2012. Además de sus exposiciones, ha impartido cursos de pintura y lecciones privadas. El viaje artístico de Violetta está guiado por su mentor, el Profesor Roberto Dottorini. Su trabajo explora temas de intimidad y sinceridad, transmitiendo la sensibilidad femenina, y experimenta con diversos medios mientras mantiene la coherencia con su estilo pictórico.

BIOGRAFÍA

Marco Michelini, alias Myfo, nacido en 1978 en Génova, comenzó su carrera como estilista de moda, proveedor de yates y diseñador de interiores. Su identidad artística surgió en 2006 con la creación de una figura de bandido, que se convirtió en el centro de su arte. Su trabajo a menudo explora la complejidad de los criminales y los símbolos sociales.

En 2018, Myfo se inclinó hacia el arte figurativo, tomando inspiración de Warhol y Rotella. Tras ser descubierto por un dueño de galería, su arte ganó reconocimiento, lo que llevó a exposiciones en lugares como Mónaco. Celebridades, incluyendo a Paris Hilton, adoptaron su trabajo, lo que impulsó aún más su fama.

Pensamiento Filosófico

Myfo ve el bandolerismo como una metáfora de la vida moderna, retratando las luchas sociales a través de una obra vibrante y dinámica. Explora la tensión entre el brillo superficial y el drama subyacente de la falta de dirección de la sociedad.

Técnica

Myfo utiliza una mezcla de collage, carteles de cine originales y resina, añadiendo capas y desgarrones para crear experiencias táctiles e íntimas. Sus obras, que incluyen pinturas reactivas a los rayos UV, ofrecen dos experiencias visuales distintas. Critica la obsesión de la cultura pop con la fama y el dinero, posicionándose como líder de un movimiento artístico colorido y fluorescente.

EL SIGNIFICADO DE SUS OBRAS

La pasión por el arte urbano y sus diversas técnicas lo ha acercado al mundo del stencil. Los stencils multilayer son sus favoritos. A través de cortes precisos y bien calculados, pinta principalmente retratos, primeros planos y expresiones particulares de personas o animales que le llaman la atención en su día a día.

Además de diversas exposiciones personales y colectivas, a lo largo de los años ha tenido la oportunidad de colaborar en importantes proyectos de empresas internacionales (Disney, 20th Century Studios, RedBull, etc.).

Su técnica está en constante evolución, al igual que la pasión que lo impulsa día tras día a experimentar y perfeccionar su forma de pintar y su propia investigación artística.

Koi transforma los aspectos más duros de las ciudades metropolitanas en obras de arte contemporáneo, fusionando la vitalidad del arte urbano con la profundidad conceptual del arte contemporáneo. Con un enfoque innovador, su trabajo crea un diálogo vibrante entre los elementos urbanos y los contextos artísticos más tradicionales, generando un cúmulo de estímulos visuales y conceptuales que desafían y enriquecen nuestra manera de percibir el arte y la polis.

BIOGRAFÍA

Emilio Cavallini nació en San Miniato, Pisa, en 1945. A mediados de la década de 1960, se sumergió en sus mayores pasiones: la moda y el arte, y su trabajo emergió de una manera innovadora y original. A finales de los años 60, se trasladó a Londres y colaboró con Mary Quant en sus colecciones de medias. Emilio Cavallini reinventó el concepto de las pantimedias, inspirándose en el arte contemporáneo, transformando las medias en un accesorio elegante que redefinió la imagen de la mujer.

La carrera de Cavallini como diseñador lo llevó a involucrarse con círculos artísticos, particularmente en Estados Unidos. Mientras ganaba reconocimiento en el mundo de la moda, también comenzó a crear obras significativas para seguir sus intereses personales. En 2010, decidió dedicarse exclusivamente al arte y compartirlo públicamente.

Emilio Cavallini utiliza materiales no convencionales para su arte, como hilos de nailon, telas impresas, sus propias medias y carretes de hilo, todos tomados de la industria de la moda. Su investigación artística se basa en la geometría y las matemáticas, con elementos como puntos, líneas, cuadrados, triángulos y círculos dispuestos en un espacio 3D. Sus obras siguen principios de combinaciones, permutaciones, algoritmos de crecimiento y las últimas teorías matemáticas y geométricas, tal como se refleja en los títulos de sus obras.

El viaje artístico de Cavallini se alinea con movimientos artísticos significativos de la segunda mitad del siglo XX, incluyendo el Arte Cinético y el Arte Generativo. Su trayectoria artística se detalla en el libro Magnificent Obsession, comisariado por Benedetta Barzini y publicado por Skira

BIOGRAFÍA

Soy un artista zurdo, y en 2008, fui afectado principalmente en mi lado izquierdo y luego en mi visión. Cuando mi hermosa mano, la que solía usar para pintar y dibujar, ya no funcionó como lo hacía antes, me pregunté cómo podría continuar. Se convirtió en un desafío artístico y vital. Sin embargo, comprendí que el verdadero problema para mí habría sido no tener nada más que decir. Después de una larga crisis, la curiosidad y el deseo de aprender nuevamente se reavivaron, a pesar de todo.

Mi vida artística y profesional cambió, y de muchas maneras, incluso podría haber mejorado. Adquirí una conciencia a la que no estaba acostumbrado, convirtiéndome nuevamente en un principiante con una caja de herramientas llena de herramientas mágicas que solo nosotros podemos usar. Hubiera preferido prescindir de ello, especialmente por quienes están cerca de mí, pero si no fuera por la esclerosis múltiple, muchas cosas que nunca habría entendido. Siempre me ha costado aprender sin ser golpeado de alguna manera. Después de perder mi trabajo y la pasión de toda una vida, encontré algo mucho más importante: la fuerza para empezar de nuevo cada día, sin vergüenza por una diferencia que no elegí, pero que cambia continuamente la medida de mis límites, mientras me esfuerzo por no convertirlos en escudos para mis propios defectos.

Ahora divido mi tiempo entre la investigación artística y la enseñanza, ayudando a los jóvenes a descubrir los superpoderes ocultos dentro de los pliegues de la diversidad. Más que 'quién fui,' lo que me faltaba era no darme cuenta de 'quién soy,' buscando al artista y la mejor versión de mí mismo, aunque sea solo con un teléfono inteligente en mano.

BIOGRAFÍA

Nacido en Roma en 1974, Riccardo Rapone, conocido artísticamente como Beetroot, ha surgido como una figura prominente en la escena internacional del arte urbano desde 2009. Reconocido por su pericia técnica y el impacto poderoso de su trabajo, el arte de Beetroot abarca tanto lienzos como muros urbanos, encarnando su filosofía de “libertad creativa.” Cree en el poder transformador del arte para involucrar al público, viendo cada obra como un regalo para la comunidad, diseñado para provocar reflexión, inspirar y reflejar la experiencia humana.

Beetroot experimenta con materiales como acrílicos en spray y yeso, utilizando a menudo herramientas como taladros para crear piezas texturizadas y evocadoras. Sus obras abordan temas como el comentario social, la expresión poética y la introspección, empujando a los espectadores a cuestionar las normas sociales y reflexionar sobre sus propias percepciones. Ha expuesto en lugares como la Galería Mondo Bizzarro de Roma y la Galería Graffik de Londres, pero su arte cobra vida verdaderamente en los espacios públicos de Roma, Europa y más allá, donde habla directamente al paisaje urbano.

Para Beetroot, el arte urbano trasciende lo “bello” o la pieza convencional de museo. Su arte transforma los muros comunes de la ciudad en narrativas de resistencia, elevando los espacios urbanos y contrarrestando los desechos del graffiti sin sentido. A través de su dedicación, Beetroot defiende una visión del arte urbano como una voz de renovación, pasión y visión, un nuevo camino en el arte contemporáneo que invita a todos a un diálogo más allá de los límites de las galerías tradicionales.

BIOGRAFÍA

Massimo Giorgi es un pintor contemporáneo italiano. En su obra, los gestos, marcas y líneas se convierten en vibrantes huellas de color, creando figuras y fondos que palpitan e interactúan. Su uso del color actúa como un organismo vivo, con una retroalimentación visual y emocional dinámica que emana de cada pincelada. Más que manifestar ideas o declaraciones evidentes, las pinturas de Giorgi capturan corrientes emocionales sutiles que resuenan a nivel sensorial. Su enfoque espontáneo pero intelectualmente matizado refleja un profundo viaje cultural, modelado por un compromiso con los desafíos y las necesidades de la vida contemporánea.

El trabajo de Giorgi ha ganado numerosos premios, incluido el Tercer Premio en la "Biennale dell'Incisione Città di Monsummano Terme," donde sus piezas fueron exhibidas junto a obras de Giorgio de Chirico y Georges Rouault en el Museo de Arte Contemporáneo y del Siglo XX en Toscana y en el Centro Cultural Le Toboggan en Décines-Charpieu, Francia. También recibió reconocimiento en la 19ª Edición del Premio de Grabado "Fibrenus - Carnello cArte ad Arte" en el Museo Cívico de Sora (2005) y el Primer Premio en el "Art-e-Premio Arti Visive Contemporanea," donde ganó en la categoría de escultura/instalación, entre otros.

Nacido en 1976 en Frosinone, Italia, Giorgi ha expuesto de manera extensiva tanto en Italia como internacionalmente, con muestras en Francia y Polonia.

BIOGRAFÍA

Luca Valerio D'Amico es un artista romano cuya pasión por el descubrimiento lo ha llevado a explorar y buscar inspiración en todo el mundo. Su viaje creativo está profundamente influenciado por estos viajes, que impregnan su arte con un rico tapiz de culturas internacionales, emociones y paisajes. Sus obras cobran vida a través de líneas simples pero expresivas que encarnan tanto la diversión como la sofisticación. A veces, estas líneas tienen una espontaneidad infantil, mientras que en otras ocasiones, revelan una elegancia clásica y refinada.

El trabajo de D'Amico se inspira en las vibrantes narrativas de la cultura urbana y pop, fusionando sin esfuerzo estos temas contemporáneos con las historias atemporales de la historia del arte. Su lenguaje artístico es distintivamente italiano, elaborado a través de una planificación meticulosa y líneas precisas y definidas. Utiliza el color de manera mesurada pero con intención, permitiendo que cada tono se destaque audazmente, otorgando a sus composiciones un atractivo único y cautivador.

Cada pieza invita a los espectadores a adentrarse en su mundo, donde lo moderno y lo clásico convergen.

Bienvenidos al mundo de Luca Valerio D'Amico, un lugar donde el arte se reimagina a través de perspectivas frescas, historias ricas y un estilo que es inconfundiblemente suyo.